Los 15 directores de cine más subestimados de todos los tiempos

Es muy difícil encontrar un director que pueda considerarse objetivamente subestimado. El contexto entra en escena y hay muchos factores que la gente mencionará para discutir sobre ese estado. No hay nada de malo en eso, ya que siempre es agradable encontrar personas que reconocen el trabajo de algunos cineastas menos conocidos. En esta lista, consideraré un mundo muy generalizado como marco de referencia, uno que considera a Spielberg como el dios del cine y a The Shawshank Redemption como la mejor película jamás realizada. No pretendo menospreciar tampoco, pero creo que, en este mundo de películas tan diverso, siempre es demasiado pronto para etiquetar a alguien como el mejor y, en el proceso, no desafiar tus propios gustos para explorar los rincones más lejanos del cine. Todos estos cineastas han agregado una ventaja definitoria al proceso de innovación y, por lo tanto, han cimentado su legado en los corazones de los cinéfilos ardientes. Dicho esto, aquí está la lista de los mejores directores subestimados de la historia.

15. Satoshi Kon



Películas para ver: Paprika, The Perfect Blue, Millenium Actress



Recuerdo haber visto 'The Perfect Blue' hace un mes y cuánto me recordó a la obra maestra de David Lynch 'Mulholland Drive'. Sin embargo, su ejecución se vuelve muy torpe hacia el final y pierde la sutileza que promete, sigue siendo un estudio del personaje horrible de su protagonista y la destreza cerebral de Kon. Creo que Kon no creía en el estudio del surrealismo tanto como en los sueños. Sus películas están marcadas por el simbolismo, pero nunca las usa para trascender las artes visuales empujando sus límites creativos hasta el infinito. Demostró que puedes trabajar bajo las construcciones de la narración tradicional y usar cada línea de un guión para contar una historia por sí misma, lo que da como resultado una forma de estructura increíblemente compleja, sin mezclar la narrativa.

14. Jim Jarmusch



Películas para ver: Paterson, Stranger Than Paradise, Ghost Dog: The Way of the Samurai

Aunque Jim Jarmusch ha sido el príncipe de la industria del cine independiente en Estados Unidos, casi toda su filmografía pasa desapercibida incluso bajo el radar del público estadounidense por lo minimalistas que son, tanto en la película como en el mundo real. Es un hombre que exhala la esencia del período de tiempo en el que vive a través de cualquier cosa auditiva o visual, ya sea la pista número 1 de Billboard que su personaje toca en su auto o las tendencias milenarias que retrata la esposa de su protagonista.

13. Claire Denis



Películas para ver: material blanco, 35 tragos de ron, chocolate

Amo a Claire Denis por lo diferente que es su trabajo del autor moderno por excelencia. O tienes a alguien que es completamente poético o alguien que prospera con guiones sólidos. Hasta cierto punto, como Chantal Akerman, Denis tiene el control de ambos aspectos. Después de haber pasado su infancia en el África colonial y su juventud en los suburbios franceses, sus películas están marcadas por los efectos de la guerra en el continente y los problemas de la diferenciación racial. La atención nunca se centra en una sola historia o personaje, ya que viajamos a través de culturas, paisajes, sonidos, problemas e identidades en una película de Claire Denis.

12. Lisandro Alonso

Películas para ver: The Dead, Liverpool, Jauja

Ya no encuentras cineastas como Lisandro Alonso. Gente que cree que no hay nada más poderoso en el cine que las imágenes. A un espectador casual le resultaría muy difícil tolerar su trabajo, ya que sus películas apenas constan de diálogos y cada escena respira durante al menos un minuto, y esto no incluye tomas largas. 'The Dead', 'Liverpool' y 'Jauja' son road movies, y Alonso utiliza los viajes como metáfora de la exploración. Sus personajes viajan a través de pantanos, nieve, campos y lugares de los que alguna vez fueron parte. No hay autoexploración, sus personajes existen en el momento y lo único que se revela son sus emociones rudimentarias.

11. Victor Erice

Películas para ver: El espíritu de la colmena, La Morte Rogue, El Sur

Siendo un fanático del terror, lo que obtuve del primer largometraje de Victor Erice 'El espíritu de la colmena' fue una hora de silencio y descenso a la oscuridad de mí mismo. Lo que acababa de experimentar era una forma sensorial de teletransportación a un mundo tan inocente, incluso el terrorífico trasfondo de la película se sentía travieso y nada más. En una carrera que abarca más de 40 años, probablemente sea el artista menos prolífico de esta lista, pero no es sorprendente, considerando lo personal que es su trabajo. Lo que me sorprende es cómo trata cada fotograma como un lienzo nuevo, tratando de embellecer el impacto de cada objeto en la pantalla. Su particular uso del silencio le da al espectador una tranquilizadora sensación de libertad, para observar la técnica antes mencionada.

10. Maya Deren

Películas para ver: Meshes of the Afternoon, The Witche's Cradle, Meditación sobre la violencia

No creo que el trabajo de Maya Deren fuera tan vanguardista como el suyo. Probablemente sea la encarnación de la fase en la que la humanidad alcanza el impulso de expresar cada deseo que se acumula en su subconsciente. Todo deseo que el mundo rechaza, porque no se adhiere a las normas o al funcionamiento organizado del mundo. Deren experimentó con todo; narrativas, continuidad, técnicas de cámara, narración visual y lo más importante, edición. Su obra más conocida, 'Meshes of the Afternoon', también su primera pieza, funciona como un trance, retorciéndose y retorciéndose como los pensamientos en tu mente cuando interactúas con diferentes objetos.

9. Shohei Imamura

Películas para ver: La balada de Narayama, Los pornógrafos, La mujer insecto

Shoehei Imamura fue otra figura destacada de la nueva ola japonesa y es el único director japonés en ganar dos Palme d'Ors. Durante el tiempo en que la mayoría de los directores contemporáneos de su región estaban interesados ​​en la energía detrás de las películas de samuráis y jidaigeki, Imamura quedó deslumbrado por la cruda sensualidad que se cría bajo la fachada decorada de la sociedad japonesa. La guerra destruyó Japón e Imamura se atrevió a exponer la ineludible vileza que la gente optó por pasar por alto, incluidas las casas de producción. Con películas como 'La mujer insecto' y 'Los pornografistas', Imamura tocó temas de prostitución y sexualidad sin explotar.

8. Chantal Akerman

Películas para ver: Jeanne Dielman, I You He She, Hotel Monterey

Chantal Akerman es probablemente la cineasta más influyente de todos los tiempos, continuando el estilo vanguardista de sus predecesoras Maya Deren y Alice Guy-Blache y mezclándolo con una fuerte narrativa y un hipnótico sentido del encuadre. Su enfoque incluyó énfasis en un tiempo y espacio en particular y cómo los personajes que lo habitan se ven afectados al estar sujetos a él. Esto se muestra brillantemente en el uso de cocinas y habitaciones en sus películas, mientras explora las paredes entre la domesticación y la urbanización de uno mismo.

7. Michael Powell y Emeric Pressburger

Películas para ver: Peeping Tom, La vida y muerte del coronel Blimp, Black Narcissus

Es imposible dejar a ninguno de los dos mientras se habla de uno. Así que consideraré toda su filmografía colectiva. Juntos, su filmografía es probablemente la colección de películas más diversa que jamás hayas visto, desde comedias hasta dramas románticos y terror. Sin embargo, el aspecto más notable es su cinematografía en 3 Strip Technicolor, que fue revolucionaria. Pressburger fue el guionista y supervisó la edición, mientras que Powell se encargó de la mayor parte de la dirección. A su trabajo no se le dio la importancia que merece debido a sus temas innobles, y durante décadas ha habido un interés en aumento exponencial, luego de las citas de Scorsese, Copoola y otros directores de New Wave.

6. Frantisek Vlacil

Películas para ver: Marketa Lazarova, Adelheid, El valle de las abejas

Tengo que agradecer a Criterion por presentarme tanto a 'Marketa Lazarova' como a su director Frantisek Vlacil. 50 años después del lanzamiento del primero, ambos nombres permanecen intactos como monumentos del pasado y presente del cine europeo. Encuentro similitudes en su visión y la de Tarkovsky, ya que ambos consideraban que el cine era poesía visual. Como estudiante de historia y residente de Checoslovaquia, se le inculcó un fuerte sentido de los problemas que plagaban la Europa medieval. Su imaginería es muy metafórica y trata temas de libertad individualista, ortodoxias, auge y caída de las culturas y los dogmas asociados a ellas. Al igual que Tarkovsky, su trabajo siempre estuvo bajo el escrutinio de las fuerzas comunistas del país.

5. Mario Bava

Películas para ver: Black Sunday, Kill Baby Kill, Blood and Black Lace

Cada vez que me encuentro en un círculo de cine, es como si me atraparan en medio de un aluvión de masacre, excepto que no hay balas sino los nombres de directores europeos. Y aunque siempre me ha gustado lo macabro, no influye en mi decepción al encontrar que faltaba un nombre, y ese es Mario Bava. El maestro italiano retomó desde donde se fue Hitchcock, y cubrió los misterios con luces de terciopelo y lujuriosa venganza. Es muy difícil encontrar un artista tan polifacético como Bava, ya que el hombre revolucionó la cinematografía, los efectos especiales, la dirección, los guiones y Eastmancolor en su país de origen, que eventualmente se extendió por toda Europa.

4. Frederick Wiseman

Películas para ver: Titicut Follies, The Last Letter, Boxing Gym

Probablemente Frederick Wiseman estaba destinado a ser pasado por alto, el día que decidió perseguir la realidad. La mayoría de nosotros estamos tan afectados por los caprichos de las situaciones que enfrentamos en la vida real, que elegimos verlos en mundos fantaseados en pantallas de cine de 50 pies de ancho. La visión de Wiseman no es solo la suya sino también la de las personas que no tienen el privilegio de transmitir la suya. Ninguna película puede ser objetivamente imparcial, y su punto de que cada minuto que filmes será sometido a un escrutinio y prejuicio ineludibles, porque tiene ciertas obligaciones que cumplir, dice mucho sobre su ética de trabajo.

3. Jean Cocteau

Películas para ver: la trilogía órfica

“Cuando hago una película, es un sueño en el que estoy soñando.” - Jean Cocteau. Hemos visto a Lynch, Fellini, Bunuel y Jodorowsky crear realidades alternativas que deconstruyen cada elemento de la humanidad al colocarlo en un mundo que está más allá de su comprensión. Pero si se mira lo suficientemente de cerca, casi todos ellos se han inspirado en Cocteau en diferentes etapas de su filmografía. Aunque su estilo se considera muy poético, la textura de sus imágenes es muy tosca, siendo el contraste en blanco y negro muy definitorio. 'The Orphic Trilogy' se siente especialmente como si Cocteau, como artista, finalmente encontró un medio para expresar su imaginación y llevarla a un límite que ningún periódico le permitiría.

2. Masaki Kobayashi

Películas para ver: Harakiri, Kwaidan, Human Condition Trilogy

Por mucho que adoro a Akira Kurosawa, si hay un cineasta japonés cuya obra es la parte más esencial del cine japonés de posguerra, creo que es Masaki Kobayashi. Aunque sus obras se extendieron entre vastas líneas temporales y realidades, sus temas fueron siempre un reflejo constante del realismo, que se intensificó por su angustiosa experiencia en la guerra. Kobayashi, a diferencia de la mayoría de los directores de la misma época, se centró en deconstruir y criticar la cultura japonesa, y nunca satirizó sus películas, proyectando así una visión inquietantemente sombría y pesimista de la sociedad, que fue descartada como ofensiva y franca. 'Harakiri' y la 'Trilogía de la condición humana' son excelentes ejemplos de la crítica del director al concepto de guerra, ya que vemos las secuelas en dos períodos de tiempo completamente diferentes.

1. F. W. Murnau

Películas para ver: Nosferatu, Sunrise, Faust

F.W. Murnau es un monumento. 'Nosferatu' cumplirá 100 años después de 5 años, y sinceramente, ha habido innumerables películas de terror desde su lanzamiento. A excepción de unos pocos, ninguno de ellos ha sido lo suficientemente influyente como para dejar rastros de su excelencia en todas las demás películas del género. 'Amanecer' es otra película cuyo residuo se esparció por todas las imágenes poéticas del cine de autor europeo, y es probablemente la primera película que esculpe literalmente el tiempo y el cine con él en el proceso. Está 'La última risa', cuya introspección de la condición humana, siendo uno de los primeros estudios de personajes, se disfraza de expresionismo y su estilo puede haber sido influenciado por el neorrealismo italiano y el cine paralelo. Y luego está 'Fausto', que involucra al legendario alquimista haciendo un pacto con el diablo y aunque Goethe ya había hecho una obra en 1806, siento que el cine siempre ha sido más efectivo que el teatro, como experiencia. Y Fausto es el mayor testimonio de esta afirmación.

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