15 grandes películas sin partitura musical

Hace algún tiempo, tuve un largo debate con uno de mis compañeros cinéfilos sobre la importancia de la música en el cine. Opinaba que la música es uno de los elementos más importantes del cine y juega un papel fundamental en la narración. Si bien siempre he apreciado la buena música en las películas, creo que una película puede ser completamente atractiva sin la más mínima melodía. El poder de la narración se basa principalmente en la estética visual y el trabajo de los personajes, pero hay muy pocos cineastas que se hayan aprovechado de estos aspectos y, a menudo, la música se convierte en un mero dispositivo manipulador para atraer a los espectadores. Esto puede funcionar o no dependiendo de cómo lo use un cineasta y en qué medida. Hoy echamos un vistazo a la lista de las mejores películas que no cuentan con banda sonora musical ni partitura de fondo.

15. Interiores (1978)



El oscuro drama familiar de Woody Allen fue un sorprendente cambio tonal de sus anteriores películas de comedias románticas que estableció su identidad como cineasta. El estilo y la estética aquí son muy de Bergman y Allen atenúa su famoso humor a favor de una exploración más segura y oscura de la condición humana. No hay música en la película, pero Allen lleva el peso de las emociones con un control asombroso y una profundidad notable. Carece de la diversión y el vigor de las otras obras de Woody Allen, pero, sin embargo, es un experimento fascinante que logra resonar contigo en muchos niveles.



14. Cuerda (1948)

El infame experimento de Alfred Hitchcock inicialmente no sentó bien a los fanáticos y críticos, pero ha logrado encontrar un lugar único entre los muchos clásicos que hizo en su larga y prolífica carrera. 'Rope' es Hitch en su forma más atrevida y experimental, ya que abandona la música, un aspecto que hizo que sus películas fueran tan tensas e increíblemente atmosféricas, y cambia a un estilo de narración visualmente más sofisticado. La película se desarrolla en tiempo real y está editada de manera que las tomas largas parezcan una sola toma continua, que era lo que Hitchcock inicialmente quería que fuera la película. Aumenta una sensación de realismo a diferencia de la mayoría de sus otras obras, que tenían ese atractivo impactante que te alejaba ligeramente de la realidad de sus escenarios.



13. Más allá de las colinas (2012)

Podría decirse que es la obra más subestimada de la muy distinguida obra del director rumano Cristian Mungiu, 'Beyond the Hills' describe la relación entre dos mujeres que crecieron juntas. Más tarde, una se trasladaría a Alemania en busca de una vida mejor y la otra se convertiría en monja en la Iglesia Ortodoxa. Filmada en la verdadera moda de Mungiu con un trabajo de cámara ordenado y una fascinante moderación emocional, la película no presenta el uso de una partitura musical que vaya perfectamente bien con el tono naturalista de la narración. Mírelo por su pura profundidad emocional, su intrigante realismo y su exquisita artesanía.

12. M (1931)



Ampliamente considerada como una de las mejores películas jamás realizadas, 'M' cuenta trata sobre la investigación de un asesino en serie de niños que no ha sido rastreado. El inframundo criminal también se une a la policía para la investigación. Rara vez hubo algo convencional en lo que hizo Fritz Lang y nunca ha sido el mayor defensor del uso de la música en las películas. 'M' tiene una atmósfera muy intrigante y espeluznante que implica el horror que se avecina cuando Lang usa el silencio para intensificar la tensión enloquecedora de las escenas. La técnica funciona de manera brillante mientras Lang elabora una obra maestra cinematográfica atemporal que aún logra aterrorizarlo y asustarlo con su intensidad controlada.

11. Tarde de perros (1975)

La primera vez que terminé de ver 'Tarde de perros', no me di cuenta de que había visto una película de dos horas de duración ambientada casi en su totalidad dentro de un maldito banco sin absolutamente ninguna partitura musical. Así de brillante y fascinante fue esta joya de Sidney Lumet. Basada en una historia real, 'Tarde de perros' gira en torno a dos hombres, Sonny y Sal, que llevan a cabo un atraco a un banco para pagar la operación de cambio de sexo del amante de Sonny. La falta de música trae una sensación de autenticidad y realismo que exige una historia tan poderosa y realista como esta. La película está protagonizada por el genio de Al Pacino, quien es bien complementado por un vulnerable John Cazale.

10. Dos días, una noche (2014)

El estilo naturalista de los hermanos Dardenne puede, en ocasiones, parecer emocionalmente seco y estéticamente sombrío, pero 'Two Days, One Night' sigue siendo un drama humanista muy poderoso que muestra el notable control del dúo sobre la narración basada en los personajes. La película muestra la lucha de una mujer que sufre de depresión y que regresa a su trabajo solo para darse cuenta de que sus compañeros de trabajo se han beneficiado de su ausencia ya que reciben una bonificación por trabajar horas extras. Solo tiene un fin de semana para que sus colegas renuncien a sus bonificaciones para poder volver al trabajo. La película no usa partitura, pero cada escena está diseñada con una increíble cantidad de tensión y una sensación muy moderada de poder dramático que te involucra completamente en la historia.

9. Winter Light (1963)

Ingmar Bergman tenía esta rara habilidad para empaparte de emociones que te abruman con un profundo sentido de humanidad que es inquietante en su intimidad y vigorizante en su extraña belleza. 'Winter Light' explora temas familiares de Bergman sobre el existencialismo y la fe. La película carece de cualquier tipo de música, ya que Bergman crea una atmósfera muy desoladora que refleja el inquietante vacío que asola al protagonista. La película es una exploración muy profunda de la fe y la compleja relación del hombre con dios y Bergman, conocido por su estilo visualmente desenfrenado y emocionalmente efusivo, adapta un enfoque más sutil aquí y logra un nivel de simplicidad que todavía tiene un impacto emocional rotundo.

8. Lejos (2002)

La brillantez de 'Uzak' de Nuri Bilge Ceylan reside en la forma en que Ceylan explora la visualidad del cine. La narrativa, como sugiere el título, es muy fría, pero de eso se trata exactamente la película. Esa sensación de desapego emocional de las personas y de las cosas más cercanas a nosotros que, como seres humanos, experimentamos en una determinada coyuntura de nuestras vidas. Con muy pocos diálogos y sin música, el estilo minimalista de Ceylan puede parecer bastante desafiante, pero no es así cuando estás dispuesto a sumergirte emocionalmente en los espacios profundamente contemplativos que crea.

7. Una separación (2011)

¿Por qué necesitas una puntuación cuando está Asghar Farhadi? Honestamente, sin embargo, hay muy pocos cineastas que puedan mantenerte al límite con el poder crudo y devastador de los dramas humanos. La brillantez de 'A Separation' de Asghar Farhadi no radica en la historia, sino en lo que hace con ella. 'A Separation' puede parecer un drama de divorcio tradicional, pero la forma en que desarrolla la historia, quita cada capa de sus personajes y cuestiona su moralidad son cosas que solo un cineasta como Farhadi podría haber logrado. No hay música en la película, pero la tensión acumulada en cada escena es palpable y te olvidas de todo lo demás, completamente absorto en la película.

6. 4 meses, 3 semanas y 2 días (2007)

El fascinante drama de Cristian Mungu cuenta la historia de una mujer que lucha por organizar el aborto de su amiga en la Rumanía desgarrada por los comunistas en los años 80. La tensión aumenta desde la escena uno cuando el astuto enfoque de Mungiu en sus personajes junto con algunas ubicaciones de cámara ajustadas y calculadas lo llevan directamente a la película. La película no tiene partitura musical y Munigu la utiliza para darle un tono muy auténtico. Cada escena está diseñada con asombrosa perfección y el tipo de sensación hiperrealista que Mungiu infunde en la película es inquietante más allá de las palabras. Esto es lo más poderoso y emocionalmente crudo que puede llegar a ser el cine.

5. La cinta blanca (2009)

El trabajo del gran autor austriaco Michael Haneke a menudo ha desanimado a muchos debido a su enfoque frío y su terrible pesimismo. Pero muchos de sus personajes, a pesar de parecer francamente malos y desagradables, son extremadamente estratos y emocionales por dentro. Su ganador de la Palme D’Or de 2009, 'The White Ribbon', es quizás el trabajo más ambicioso desde el punto de vista filosófico y temáticamente desafiante que haya hecho hasta ahora. Representa la vida de las personas que vivían en un pueblo en la Alemania de principios del siglo XX. La cinematografía es exquisita y está completamente filmada en un magnífico blanco y negro, lo que crea una atmósfera muy auténtica para la película, ya que Haneke crea una obra de arte que invita a la reflexión y que te atormenta mucho después de que se hayan publicado los créditos.

4. Érase una vez en Anatolia (2011)

El autor turco Nuri Bilge Ceylan es indiscutiblemente uno de los mejores cineastas que trabajan en el cine en la actualidad. Ceylan posee la sencillez de Abbas Kiarostami, la elegancia poética de Andrei Tarkovsky y la humanidad de Theo Angelopoulos. Y 'Once Upon a Time in Anatolia' es una combinación exquisita de estos elementos mientras Ceylan crea una de las obras maestras hipnóticas más entrañables del cine. 'Once Upon a Time in Anatolia' no utiliza una partitura y, en cambio, utiliza los sonidos de la naturaleza que nos permiten respirar en los espacios entre los personajes. La falta de música se adapta perfectamente al entorno realista y al tono sutilmente melancólico de la película cuando Ceylan te invita a ser parte de su mundo. Es una experiencia increíblemente profunda que te deja asombrado por la pura humanidad de un cineasta que pasaría a ser uno de los grandes del cine en los años venideros.

3. Acerca de Elly (2009)

El inquietante drama de misterio de Asghar Farhadi te atrapa, te mantiene al borde de tus asientos y te devasta sin la más leve melodía. El sonido del mar crea una sensación de terror indescriptible que envuelve la película en poco tiempo. Inspirado en el clásico drama de misterio de Michelangelo Antonioni, 'L’Avventura', Farhadi utiliza el elemento de misterio de la película para explorar las facetas oscuras de la naturaleza humana. En la búsqueda de la verdad, los personajes revelan sobre sí mismos a medida que la película se centra más en sus personajes que en el misterio en sí. 'Acerca de Elly' es una experiencia devastadora que volverá a perseguirte una y otra vez.

2. El viento nos llevará (1999)

Una de las muchas obras maestras que Abbas Kiarostami creó en su larga pero corta carrera, 'El viento nos llevará' es una profunda exhibición cinematográfica de humanidad cruda y entrañable. Con una trama minimalista que sigue a un grupo de periodistas que llegan a un pueblo kurdo para cubrir la muerte de una anciana, Kiarostami crea una obra de arte verdaderamente liberadora que trasciende los límites de lo convencional. Kiarostami abandona el uso de una partitura musical tradicional, ya que te da la sensación de ser transportado al hermoso mundo que ha creado, lleno de hermosos paisajes que juegan un papel tan importante como la historia y los personajes de la película.

1. Caché (2005)

La fría obra maestra de Michael Haneke es una película que toma la forma de un thriller pero va mucho más allá de lo que un género podría contener. Descrito por Roger Ebert como un thriller psicológico implosivo, 'Cache' se centra en una pareja aterrorizada por una serie de cintas de vídeo anónimas entregadas en la puerta de su casa. La tensión en la película no explota, pero lo que hace Haneke aquí va realmente más allá de una película de policía tradicional. La película no tiene partitura y gran parte de la película consiste en tomas ambiguas sin una perspectiva clara para cada escena. 'Cache' redefine el cine y la narración de una manera que difícilmente podrías imaginar.

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